Monica Rizzolli

2012-01-26T04:14:00.000-08:00

Monica Rizzolli | Habitat Ambíguo | 2011 | acrílica sobre tela | 70X70cm

Monica Rizzolli | Habitat Expansão Contenção | 2012 | acrílica sobre tela | 50X50cm (cada)

Monica Rizzolli | Habitat Natural | 2011 | acrílica sobre tela | 150X

Monica Rizzolli | Habitat Natural (detalhe)

2011-10-15T09:59:00.001-07:00

2011-08-21T14:30:00.000-07:00

Habitat Primordial (segunda versão) | 2011 | acrílica sobre tela | 120 X 80 cm

Habitat Solitude | 2011 | acrílica sobre tela | 110 X 120 cm

Novo ateliê

2011-06-15T04:05:00.000-07:00

No último mês muitas mudanças acontecerem e atualmente estou em meu novo ateliê conjuntamente com a amiga e artista Dea Lellis. Nada como uma série de fotos para comemorar o primeiro mês de trabalho no meu novo espaço!

Antes da mudança, com tudo na sala de casa.

No ateliê, a Dea cuidando do Melvin.

Fazendo os primeiros estudos no ateliê.

Pintando, ainda com ateliê vazio!

Mais estudos.

Foto da amiga Marília Zarattini.

Dea, lá no fundinho.

Caos de hoje!

Dea e sua nova tela.

Fim do expediente.

Carpaccio Guide to emerging illustrators, photographers & artists Vol. 5

2011-05-18T16:31:00.000-07:00

Acabou de sair do forno a Carpaccio Guide to emerging illustrators, photographers & artists Vol. 5. A revista da editora Atem Books traz uma compilação de artistas, designers e fotográfos contemporâneos e eu tenho o prazer de integrar essa edição!

Agradeço a Maria e Emma pelo trabalho incrível, pela qualidade da publicação e principalmente pelo convite.

Imagem à direita - desenho Superação, da Série Amigos Imaginários, 2010

Retrato de Juliana Kawakubo e Família

2011-04-12T13:07:00.000-07:00

Retrato de Juliana Kawabubo e Família | 2011 | Acrílica sobre tela | 40 X 40 cm

Portrait of Juliana Kawakubo and family | 2011 | Acrylic on canvas | 40 X 40 cm

2011-03-08T11:08:00.000-08:00

How to transfigure Mickey in order to assassinate him in combat

André Mesquita

When Wally Wood’s poster “The Disneyland Memorial Orgy” (1967) was published as an illustration in the historical magazine The Realist, edited by yippee Paul Krasner, it was so successful that the Magic Kingdom did not sue the artist. A legal suit would bring attention to what could turn out to be a lost war against Wood’s provocation. After all, Disneyland had been transformed into a land of orgy, and maybe that was precisely what American counterculture was most expecting to see: an Bacchanal where Snow White is fingered by the Seven Dwarfs, where Minnie fucks Goofy, where the characters from the Neverland witness an erection of Pinocchio’s nose as the fairy Tinker Bell performs a strip-tease and where Pluto finally takes revenge over his owner’s image. Yes, Pluto pisses on the official portrait of the Magic Kingdom’s very ambassador: Mickey Mouse!7

By then, Mickey himself should already dead in the water, or, at least, the moral, benevolent or untouchable values that he champions should already have been destroyed, though still loved and admired by the traditional American family. The Marxist reading of Disney’s characters carried out by Ariel Dorfman and Armand Mattelart in the book “How to Read Donald Duck” (1971) identifies in Mickey the figure of a “prophet devoid of brute force”, someone endowed with divine powers, disinterested and messianic, ready to “fight evil”.8 His image is still printed on clothing, toys, dishes or nappies, almost a compulsive feeling of false permanence by the Disney corporation as it disseminates the trademark that best represents it in all corners of the Earth.

American artist Ron English, known for his culture jamming9 practices, revisits the image of America’s most famous mouse in his paintings and interventions in outdoor advertising. In one of his works, Mousetrap (2000), features Mickey crucified on such a contraption. But, instead of portraying the character’s pain, English draws him as “with the certainty that he is always smiling”.10 It is a provocation to the pet’s omnipresent status in our lives. “I can imagine what may have been for humankind in its beginnings to contemplate the most powerful beasts that ruled the world”, says English. “In order to conquer the most powerful animal, the ancients drew its dead figure on the wall of the caves. This was the artist’s first job. And, for me, this continues to be the artist’s job.”11

Monica Rizzolli’s drawings for this exhibition take seriously the double commitment of the artist’s work, because besides killing the official image of the most powerful animal in capitalist culture, they also do so in a mythical form over Mickey Mouse. As Roland Barthes proposes: “since the myth steals from language, why not steal from language too?”12 Thus, well beyond simply reproducing the character’s figure or evidence it as a pop image, Monica transfigures Mickey in battle. And this battle, today, carries on dissembling cultural, economic or political hegemonic narratives that compose mass culture icons and corporate interests.

The situations created in Monica’s drawings, where people donning Mickey’s ears appear in different situations and important themes, invite us to consider up to what point images or symbols can be considered in the public domain, freely reproducible or convertible. Indeed, what is the entertainment industry’s strategy to transform the vernacular culture of popular tales into private property? Don’t be fooled, Mickey Mouse is not Walt Disney’s exclusive creation. His empire was built on the appropriation of other people’s creativity. Steamboat Willie, the animation film starred by the mouse in 1928 had its plot openly copied from Buster Keaton’s Steamboat Will (1928). Decades later, when an entrepreneur published a pirate version of Wally Wood’s poster for sale, reaching a wider public and achieving commercial success, Disney tried to sue him. The case was settled out of court.

1. Monica Rizzolli | Copyright "The Mickey Mouse Protection Act" | 2009 | Gouache, ink and pencil on paper and sticker | 30 X 27 cm

What was a work in the public domain becomes an image and a product fenced out by absurd laws regulating property rights.13 Interestingly, one of Monica’s drawings brings our attention to this subject, as one of Velazquez’ Meninas is featured donning Mickey’s ears and a brief visual legend shows this icon in the context of the clash between copyright and

copyleft’s free reproduction. Its title refers to the Sonny Bono Copyright Term Extension Act, aka Mickey Mouse Protection Act. In brief, every time Mickey Mouse is threatened to become an image in public domain, the act of extension saves him from appropriation by “freezing”. In 2003, the American Supreme Court prolonged Mickey Mouse’s copyrights for further 20 years.14 Disney was able to appropriate, for instance, classic authors such as the Grimm brothers, stealing their tales… but you cannot “take advantage” of Disney.

***

2. Monica Rizzolli | Army Mickey | 2009 | Gouache and ink on paper and sticker | 24,5 X 20 cm

I could say that Mickey is the antithesis of what he apparently represents, calling the mouse the “demon” himself, but reality is a lot more complicated than that. Someone intent on carrying out the cognitive mapping of the enormous network of big corporations would find relations between those at the head of Disney’s magic kingdom and the industrial- military complex. Monica metaphorically comes close to such links when she has Mickey’s ears grow on the heads of American soldiers, in a drawing titled Army Mickey. Following my empirical inclination of mapping such networks, seeking strong and weak links, I have found out that executives of Lockheed Martin, the world greatest weapons manufacturer and great supplier to the military might employed in the Iraq War, are connected to ConocoPhillips, a powerful American oil company, which, in its turn, is linked to Boeing, that links up with Disney’s boardroom.

3. Monica Rizzolli | Roundup does not kill rats, only Indian | 2009 | Gouache and ink on paper | 32 X 18 cm

Our investigation on the weaves that builds up Mickey’s death and its representations, inspired by Monica’s work, goes further. The deeper aspects of the affair crop up in two other pieces in the drawing series: Roundup não mata ratos, somente indianos [Roundup does not kill rats, only Indians] and Mickeysanto: OGM's [Mickeysanto: GMOs]. Both pieces make reference to Monsanto, the agricultural company that, alongside Novartis, Du Pont, AstraZeneca and Aventis, control around 70% of the global agricultural trade. Monsanto is the owner of Roundup herbicide and of the Roundup Ready seeds, genetically modified, patented and sold exclusively by the corporation. In the USA, 40% of the soy crops resorts to Roundup Ready seeds, benefiting only corporations, large farms and the intensive practice of monoculture. Consumers are left with the uncertainty of the risks associated with transgenic products intake for health and the environment. The false passion and justified death of Mickey’s in Monica’s work bring about two insights. The first is that the biotechnological destruction carried out by Monsanto and other industries in India has led to the imprisonment, assassination and suicide of hundreds of agriculturists for political and economical reasons (which is patent but categorically denied by Monsanto in their site)15, but it also brought forth several activists to resistance, such as the movement of Navdanya network agriculturists against the use of transgenic seeds.16 The second insight is that Monsanto and Disney are two sides of the same coin. Both impose dark market interests over creativity and biological diversity, be it by means of the control of images, tales, tribal cultures, human genes or seeds, securing monopolies over an invention or knowledge for decades.

It was Indian activist Vandana Shiva who said that true ecological action in the era of biotechnology needs to protect diversity and organize movements for intellectual and collective rights.17 If we are able to realize this now, as we take in what Monica’s drawings have just told us in the exhibition, then we will have a positive sign that we need to question the facts that are found diluted and completely dispersed in life, in visible or invisible form. It is in moments of imagination and intense social creativity that art manages to obtain the means to transform thoughts and organize action. When silence becomes “a dangerous sound”, as sung by Fugazi in “KYEO” (1991), this is the time we “must keep our eyes open”.

7 The reproduction of “The Disneyland Memorial Orgy” in the pages of The Realist can be found at the address: .

8 DORFMAN, Ariel and MATTELART , Armand. Para Ler o Pato Donald. Comunicação de massa e colonialismo. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1977. pp. 119 and 120.

9 In brief, culture jamming is the subversion, manipulation or symbolic rupture of advertising messages in media and urban spaces. For further discussion in the subject, see the text “Semiotic Activism against the power of the trademark”, in the second chapter of my Masters dissertation, Insurgências Poéticas: Arte Ativista e Ação Coletiva (1990-2000) [Poetic Insurgencies: Activist Art and Collective Action (1990-2000)]. São Paulo: Universidade de São Paulo, 2008. The electronic version of this text (in Portuguese) can be found at

www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8138/tde-03122008-163436/>. pp. 186-217.

10 Interview with Ron English to André Mesquita in 7/12/2005.

11 ENGLISH, Ron. POPaganda: The Art & Subversion of Ron English. Nova York: Soft Skull Press, 2001. p. 66.

12 BARTHES, Roland. Mitologias [Mythologies], São Paulo: Difel, 1982. p. 156.

13 This debate on authorship also permeates the fields of the arts and of countless other manifestations involving the creation of collaborative objects and projects, the production and reproduction of images in collages, paintings and drawings, in performances, in video art and in tactical media pieces, in the culture of plagiarism, of remix and mash up, and in the use of the Creative Commons and copyleft licenses.

14 HAROLD, Christine. Ourspace: Resisting the Corporate Control of Culture. Minneapolis: University of Minnesota Press, 2007. p. 116.

15 As can be read in the text (in Portuguese): para_sua_informacao/suicidio-de-agricultores.asp>.

16 See http://www.navdanya.org.

17 SHIVA, Vandana. Biopirataria. A pilhagem da natureza e do conhecimento [Biopiracy, the Plunder of Nature and Knowledge]. Rio de Janeiro: Vozes, 2001. pp. 64 and 65.

2011-03-04T04:37:00.000-08:00

Entrevista | Monica Rizzolli
por Gabriela Hesz
para Cavalera | 28 fev 2010

LEIA A ENTREVISTA

Habitat Primordial | Primary Habitat

2011-02-28T11:49:00.000-08:00

Dizem que "em casa de ferreiro, o espeto é sempre de pau". Para contrariar as expectativas eu resolvi aproveitar minhas "férias"para pintar uma tela para mim!

Vou postar diariamente uma imagem do andamento do trabalho e também o link para a música que embalou o dia. Vamos ver no que dá!

It's said that "the shoemaker's son always goes barefoot". To challenge the expectation, I decided to take advantage of my vacations to paint one canvas for me! I'll daily post one image of the work's development and also the link of the soundtrack of the day. Let's see what happens!

PIC 1 | cada coisa no seu lugar everything in its own place

If I were a carpenter | Cash and Carter

PIC 2 | princípio do céu beginning of the sky

Today | Jefferson Airplane

PIC 3 | um céu paciente a patient sky

One | Alva Noto e Blixa Bargeld

PIC 4 | face a face face to face

I'm not Calling You a Liar | Florence + The Machine

PIC 5 | vazio empty

4'33 | John Cage

PIC 6 | regando flores watering flowers

Do amor | Tulipa Ruiz

PIC 7 | vegetação nativa native vegetation

Derezzed | Daft Punk

PIC 8 | primeiros pássaros first birds

Black is the color | Joan Baez

PIC 9 | crescendo growing

Andei | Alessandra Leão

PIC 10 | Você vê a diferença? Could you see the difference?

Dubstep Fm

PIC 11 | cada folha tem existência própria each leaf has its own existence

Take Over | Boom Boom Kid

PIC 12 | lateral side

The Velvet Underground | After Hours

PIC 13 | rocha rock

Paint It Black | The Rolling Stones

PIC 14 | sem espaços vazios no empty spaces

Green Grass | Cibelle

PIC 15 | sempre always

Preciso ser pedra | MOMO

HABITAT PRIMORDIAL | PRIMARY HABITAT

Monica Rizzolli | Habitat Primordial | 2011 | acrílica e vinílica sobre tela | 120 X 80 cm

2011-02-28T10:36:00.001-08:00

A coleção do Octopus

por Juliana Monachesi | fevereiro de 2010 | em ocasião da exposição Octopus Garden na Central galeria de Arte

Um “jardim de polvo” é algo como uma coleção aleatória. Uma reunião de objetos que os tentáculos do polvo recolheram na infinidade oceânica de seu entorno e que este “organizou” em sua morada profunda. Se o título da mostra ecoa a canção homônima dos Beatles ou a iniciativa do curador Claudio Matsuno de reunir os oito artistas presentes nesta exposição, ele também sintetiza de forma lírica os mecanismos de criação das obras expostas.

Senão, vejamos. Os artistas cuja produção alcançou a maturidade na primeira década deste século têm algumas características em comum. Eles se apropriam de elementos históricos (da sociedade, da cultura, da arte) de maneira mais conciliatória do que combativa, diferente do modus operandi do artista moderno, que tinha sempre no horizonte negar a tradição. Eles possuem uma tendência à fabulação que mescla o real e o ficcional e à invenção de mitologias particulares.

O curador nos fala de “fabulações inócuas” reunidas em “um jardim cuja atmosfera emerge do trabalho de cada artista da exposição”. Assim, meu passeio pelo jardim do polvo se dá como uma aposta crítica em que o elemento que permeia todos os trabalhos é a apropriação afetiva da história e a tendência alegórica. É deste duplo prisma que eu proponho a análise das obras de Alexis Iglesias, Claudio Matsuno, Luciano Zanette, Monica Rizzolli, Nilson Sato, Nino Cais, Paula Ordonhes e Reynaldo Candia.

Como não ver um flerte com a tradição da pintura metafísica nas obras de Alexis Iglesias? Ou, ainda, um jogo com o fascínio do futurismo pelas máquinas de todo tipo? Em lugar de um combate moderno ou uma simples citação pós-moderna, o que vemos nestas pinturas é um fundo expressionista acolhendo ou mesmo estruturando a aparição do invento inócuo de alguma indústria fantástica da construção civil. Na tela de tons terrosos, é uma maravilha óptica que toma o primeiro plano e lança uma sombra duchampiana sobre uma bancada erodida pelo tempo, mas embelezada por uma luz sobrenatural.

É também em um oceano de referências tentaculares que vamos situar as obras de Luciano Zanette, Monica Rizzolli e Reynaldo Candia. A escultura de grandes dimensões em madeira de Zanette presta homenagem às cruzes pretas de Malevich e aos cubos abertos incompletos de Sol LeWitt, mas não de forma direta, senão como uma identificação a posteriori de um parentesco com os dois artistas: “Malevich e LeWitt contribuíram para a constituição do meu imaginário poético, que deve consideravelmente à economia de meios do construtivismo russo e do minimalismo norte-americano”.

Monica Rizzolli flerta com Klimt e Matisse nas três pinturas expostas, ao mesmo tempo em que insere seus personagens em uma “ambientação” geométrica, como se as mulheres que habitam os quadros e que desfilam uma infinidade de padronagens apropriadas da tradição folheassem um mostruário de gêneros pictóricos para escolher o fundo contra o qual querem aparecer. Reynaldo Candia é outro a afirmar sem rodeios os parentescos de sua produção recente: “minha influência são as fotocolagens realizadas na Europa Central durante os anos 1918 a 1945”. A forma dadaísta ou surrealista encontra em suas colagens uma vontade de oferecer representações paradoxalmente mais “realistas” da vida urbana.

Já os trabalhos de Claudio Matsuno, Nilson Sato, Nino Cais e Paula Ordonhes habitam o campo da fabulação. Matsuno inventa um microcosmo em que seres algo mutantes –assim como as flores de seu jardim– comportam-se de forma análoga aos seres humanos, por ascensão e queda, comunhão e isolamento, silêncio e agitação, nascimento e morte. Cabeças, galhos e teias formam o imaginário grotesco deste universo paralelo que, por meio de intervenções diretamente sobre a parede, é extravasado dos desenhos para a vida.

Os desenhos de Nilson Sato partem de registros fotográficos feitos pelo artista de personagens anônimos. Quando transferidos do contexto poluído das ruas de São Paulo para o branco do papel, além de “simplificados” em branco e preto, seus personagens passam a protagonizar, imaginariamente, uma espécie de storyboard, suspense noir em que, conforme a interpretação do curador, “uma impressão de espera e dúvida sugere que algo poderá acontecer a qualquer momento naquele trépido instante”.

Também na seqüência de fotos que Paula Ordonhes apresenta há um suspense instalado: uma história com muitos hiatos e em que o “fora de quadro” é permanentemente sugerido, sem nunca ser revelado. A artista incorpora diferentes personas, uma das quais talvez seja ela mesma, e nesse jogo de passar de um papel a outro sem conflito reside a maior opacidade da narrativa. O trabalho foi realizado em 2000 e, se o figurino anos 1970 tinha por objetivo retirar do tempo a ação fotografada, ao revisitar esta obra dez anos depois, a artista promove um encontro duplamente deslocado no tempo, que aumenta a ambigüidade entre real e ficcional.

Como Paula Ordonhes, Nino Cais protagoniza ações para serem fotografadas. Na obra exposta aqui, ele surge no lugar de uma mesa sobre a qual foi estendida uma toalha bordada para que um vaso de planta fosse ali depositado. Transformado em “aparador”, o artista realiza a operação inversa de trabalhos anteriores: em lugar de antropomorfizar os objetos do cotidiano, ele objetifica o próprio corpo, como a testar os limites da afetividade. No conjunto escultórico que junto da foto, uma fábula aplica à realidade, o artista mostra o caminho para encontrar a “galinha dos ovos de ouro” da arte.

Da mesma maneira que uma “coleção” do polvo só se torna algo além de casualidade pelo olhar humano, que quer ver ali um jardim cultivado pelo molusco, um crítico de arte não consegue deixar de ver sentidos ocultos onde um grupo de artistas –ou um artista-curador– quis apenas reunir um conjunto coerente de obras. Portanto, ao final do passeio por “Octopus' Garden”, não há como não acrescentar que estas obras falam do assombro que deve tomar o artista quando, depois de cultivar cuidadosamente algumas idéias e alguns materiais, se vê diante de algo maior e mais insondável do que ele.

2011-02-24T03:24:00.001-08:00

Octopus Garden
Alexis Iglesias, Claudio Matsuno, Luciano Zanette, Monica Rizolli, Nilson Sato, Nino Cais, Paula Ordonhes e Reynaldo Candia

curadoria Claudio Matsuno

Esta não é uma exposição organizada por um eixo temático do qual as obras expostas sejam exemplares ou estudos. Não se interessa tampouco por uma uniformidade de seus formatos ou tipos. A reflexão à qual o artista/curador, Cláudio Matsuno, nos convida, refere-se ao próprio ato de fazer arte na atualidade. O interesse está em perguntar como que artistas, herdeiros da dissolução de todas as regras do fazer arte, conseguem ainda conversar com uma sociedade essencialmente desengajada e individualista, ou seja, igualmente e paralelamente cansada de grandes sistemas.

A acreditar que a arte ainda seja um agente transformador de visões e valores, caberia então indagar quais são suas fontes hoje, onde está seu foco? Há algum foco? Para responder a essas perguntas é preciso olhar para além das formas ou dos conteúdos e colocar nossa atenção no agenciamento entre os dois. É aí que se cria. É aí que a arte opera sua mágica. Juliana Monachesi, crítica de arte que assina o catálogo da mostra, identifica algumas convergências interessantes em meio à diversidade das obras hora propostas:

“Os artistas cuja produção alcançou a maturidade na primeira década deste século têm algumas características em comum. Eles se apropriam de elementos históricos (da sociedade, da cultura, da arte) de maneira mais conciliatória do que combativa, diferente do modus operandi do artista moderno, que tinha sempre no horizonte negar a tradição. Eles possuem uma tendência à fabulação que mescla o real e o ficcional e à invenção de mitologias particulares.”

Octopus Garden é uma pequena amostra de como essas particularidades se articulam e nos cativam. Sem ferir nossa descrença em qualquer discurso unificador, elas acenam com referências e fragmentos de um senso de ordem que, ao que tudo indica, ainda é capaz de nos seduzir.

Wagner Lungov
CENTRAL Galeria de Arte Contemporanea
Abertura dia 24/02 19 horasTerça a Sexta das 11 as 19 hrs
Sábado das 11 as 18 hrs

www.centralgaleriadearte.com

Exposição Próximo Olhar | CAP | Abertura

2011-02-12T09:41:00.000-08:00

Coletiva Próximo Olhar | CAP

Monica Rizzolli e o desenho "Superação"

Alex Hornest, Ethos e sua companheira

Fernanda Vieira, eu, Maurício Adinolfi e Osmar Santos.

My.s

Maurício Adinolfi e seu "Macaco Albino"

Thias Ueda e seus desenhos

Fotos de Flávio Melgarejo
Confira mais fotos da vernissage no Picasa.

2011-02-06T04:39:00.000-08:00

Cavalera ART PROJECTS apresenta

_ Próximo Olhar_
de 10 de Fevereiro de 2011 a 31 de Março de 2011

Abertura 10/02 as 18:00 hr.

Artistas convidados

Anderson Resende . Becky Yee . Bruno Kurru . Claudio Ethos . Choque Photos . Flávio Samelo . Kristen Uhrich . Maurício Adinolfi . Monica Rizzolli . Seitaro Kuroda . Sidney Amaral . Thais Ueda . Tifenn Python

A exposição coletiva Próximo Olhar propõe a reunião e a exibição de uma pequena, mas significativa parcela de artistas contemporâneos nacionais e internacionais, que com suas obras promovem, divulgam e traçam um panorama do que está acontecendo dentro e fora do país em matéria de artes visuais.

A mostra Próximo Olhar se torna um passeio por meio de universos, onde idéias, formas, cores e a sensibilidade se cruzam nas mãos dos mais variados e criativos artistas.

Reunindo novos talentos com outros já consagrados, torna-se possível a criação de pequenos momentos de troca de experiências, onde olhos já treinados ou cansados podem encontrar tempo para respirar e refletir sobre tudo aquilo que realmente possa ter valor e com esse tempo ir se aprimorando para um Próximo Olhar.

CAP is proud to host Próximo Olhar (Next Look), a small but significant group art show composed of national and international contemporary artists that through their art work trace a panorama of what it is happening in their respective country.

The Show will take you on a stroll into different universes, where ideas, forms, colors and sensitivity are communicated in various ways through the hands of the artists.

By mixing established and new artists, it is possible to create a moment of exchange, where experts and those who are tired of looking will be taken and be able to reflect on the true value of things and for that matter improve their Next Look.

2011-02-05T06:19:00.000-08:00

Archaeologies of the body (or sex in public spaces)

André Mesquita
Translation | Gavin Adans

“Art is born of coitus between the male and female elements

of which we are all composed, and they are

more balanced in the case of artists than of other men.

It results from a kind of incest, of love of self

for self, of parthenogenesis.”

Jean Cocteau, 1930

In Monica Rizzolli’s “Fêmea” [Female] series of drawings, the different representations of the sexual act create rhythms where women seem to be penetrated sometimes slowly, with ease and willingness; in others, the act is portrayed as intense and quick, as if lust would escape through the mouth. The impulse obeys touch, it follows what is said or not said in the scenes and in the traces of erections, ejaculations, coituses, orifices and channels filled by tongues, hands, faces and penises. Here, the actual narrative of sexual intercourse between men and women matters less, but the role played by the human figure by means of the biological and physiological apparatus of naked body features prominently.

Monica Rizzolli | Female 02 | 2008 | Ink and gouache on paper | 21 X 15 cm

Avoiding a strict literality of a reference to the real, the naked figure of Monica’s drawing orchestrates distinct visibilities of bodies occupying space, little by little revealing junctions and fractions of a topography of excesses. In order to exist, the naked figure in a painting or a drawing needs to be seen by someone, who is suddenly teased by the image. In this aspect, it is very interesting to note the creation of a piece like this by a woman artist, who, far from giving the work a feminist perspective^ⁱ, deals both with the tradition of the naked female body in the history of art and the reactions that such choice invites. Once in contact with naked body within this tradition, the spectator (usually a man) feels like taking the place of the character portrayed in the relationship, or even identifying with him or her. To see the naked Other is to have the vision of oneself, questioning our own fantasies and desires. How many people would we like to fuck right now? In “Fêmea”, our salvation at all times lies in the danger of being exposed, in overcoming the banality of the first moment when nudity is unveiled, so as to direct our perception towards the sexual zones of contact, which are not independent at all, but which nevertheless open up to the encounter of a new meaning to life. As Henry Miller wrote in 1957: “No cunt lives a life apart, independently. Such independence is utopia. Everything there is, is intertwined (…) To enter life through a vagina is as satisfactory a method as any other. When one enters a vagina willingly and there remains for a long time, it is possible to find what one had been looking for. But it is necessary to enter with soul and body – and leave behind any other belongings. (By belongings I mean fears, prejudices, superstitions).”^ⁱⁱ

Monica Rizzolli | Female 08 | 2008 | Ink and gouache on paper | 19 X 22 cm

As object, the body confronts the contemplation of the world, but also a subjectivity that touches the ego. Marcel Mauss already observed that there is “nothing more technical than sexual positions”.^ⁱⁱⁱ But, behind an apparent objectivity in the mechanisms and in the countless positions that Monica offers in her artistic work, the representations of the shared the sexual act violate the various distinctions between the public and the private, between men and women. Used to expose herself to male desire, a woman often experiences the visibility of public spaces as a kind of intimate vulnerability, whilst men have their masculinity challenged when their bodies are publicly exposed as an object of erotic desire.^{^iv}

An affinity with sex in public spaces, as a Dionysian potency full of orgiastic excesses, is expressed in the drawings as an idea of the “plural body”, by means of a narrative that all the time gathers events from other actions, positions and leftovers.

The men in “Fêmea” seem to swallow their promises of political, economic or sexual power. Nearly absent or headless in the drawings, the male body in the work helps to create the composition’s formal structure. Geometrical forms and elements balance out the figurative and the abstract. A leg can gain the form of a colour triangle, and it is with this ambiguity of form that the plural body imprints dynamism to the roles of social and sexual behaviour of men. As a provocation, it is possible to evoke here the thesis of writer, prostitute and near assassin of Andy Warhol, Valerie Solanas, in her “SCUM Manifesto” (1967): men, in reality, want to be women. The male, as “incomplete female”, spends his life trying to be a woman; he seeks to live and to be confused with women, claiming to himself all female features – emotional resistance and independence, force, dynamism, self affirmation, vitality etc – projecting in women his own weaknesses.^{^v}

To all of us, any subversion arising from the proposal put forward by “Fêmea” is rendered necessary not only by the questioning of the sexuality built by the media and by violence, paralysed by fear, prejudice and shame, but also made relevant by the attentive listening of our own obscenity, understanding the effect this creates in ourselves. The archaeologies of the body are also constituted by moans, whispers, screams, love noises and by fucking. Perhaps we should amplify them now, together with the images in “Fêmea”, in the invention of a possible imaginary for liberating action, which evades war and violence, creating a world where contact becomes more important than time in the form of commodity.^{^vi}

São Paulo, January 2009.

i In lieu of historical reference, it is important to say that from the 1970’s onwards, chiefly in America and in Europe, feminism has contributed to the development of new audiences for art, alongside the creation of new dialogue elements. For some artists, feminism has become a revolutionary strategy seeking to challenge women’s invisibility in society or else to create a visibility that reaches beyond the stereotypes of femininity. The history of women, including their struggles, recognition as a gender, domestic life, biological processes, births, family relations and of gender, violence related to abuse and to rape, became object of vital importance to artists in performance, installation, video, text, oral history etc. Above all, the feminist creed that “the personal is political” has led many artists to seek interdisciplinarity in their art projects, fostering interest for other fields of knowledge such as medicine, social sciences, politics, religion, education and activism. For a wider analysis of the issue, see

LIPPARD, Lucy R. “Sweeping exchanges: the Contribution of Feminism to the Art of the 1970s” (1980), in Get the Message? A Decade of Art for Social Change. Nova York: E. P. Dutton, 1984. pp. 149-158.

ii MILLER, Henry. O mundo do sexo [The World of Sex]. Rio de Janeiro: Editora Americana 1975. p. 42.

iii MAUSS, Marcel. Sociologia e Antropologia [Sociology and Anthropology]. São Paulo: Cosac & Naify, 2003. p. 419.

iv WARNER, Michael, Publics and Counterpublics. New York: Zone Books, 2002. p. 24.

v SOLANAS, Valerie. SCUM Manifesto. São Paulo: Conrad, 2000. pp. 11 and 12.

vi BERARDI BIFO, Franco. “L'immagine dispositivo”, 26/05/2004. Available in:

www.rekombinant.org/old/article.html.sid=2360>. Acessed in: 10th Jan. 2009.

2010-12-04T14:42:00.000-08:00

Inominável
por Sabrina Duran | texto para o projeto "Mulheres Centrais" | 2010

Criar é inominável. E a criatura tem equivalência de poderes com seu criador. Chegar nesse postulado não é de hoje, mas de duas décadas, quando tudo ainda era intuitivo e bruto. Aos 11 anos de idade, Monica Rizzolli desenhava porque sim, porque gostava, até descobrir, dois anos depois, os livros de arte e teoria do bisavô pintor e visitar o ateliê de um tio-avô. Foram dois momentos claros, o primeiro aos 11 anos (gostava de desenhar), e o segundo aos 13 (começava a estudar desenho). E tanto um quanto outro movimento jamais sairiam de dentro de Monica. Sua força motriz criadora submeteria a técnica, e sua técnica se abandonaria aos apelos da força motriz criadora. Por isso criar é inominável.

Queda

Uma necessidade da água, do líquido como símbolo, material e mito. Não foi Monica quem escolheu seu objeto de inspiração para a nova série de desenhos, chamada Queda, que passou meses produzindo. Foi bem mais o objeto que se instalou nela e foi lhe pedindo contrapartidas que o fizessem crescer. Monica o atendeu e foi beber Água Viva, da escritora Clarice Lispector; A água e os sonhos, do filósofo e poeta Gaston Bachelard; a série A imitação da água, da artista plástica Sandra Cinto. Com isso já criava uma certa obsessão salutar pelo líquido que buscava absorver e devolver à realidade transfigurado pela arte.

Talvez (e é bem provável) que seja assim a criação nos seus primórdios: existem reminiscências de histórias passadas – lembranças de cheiros, cores, sensações, sons e vivências – que fazem um determinado tema emergir com força no artista. As necessidades metafísicas da vida presente, então, insistem para que o tema fique, se aloje e frutifique, porque a partir dele o futuro será mais completo.

Pouco a pouco a vida vai se tornando água. Os olhos ficam tão sensíveis ao objeto que veem referências à água em tudo, e quando não veem, buscam onde há, dos livros aos filmes e às conversas despretensiosas das pessoas na rua. A procura é tanta que olhos se liquefazem eles mesmos, e a artista, farejando a obra que se desenvolve com sua ajuda e à sua revelia, coloca-se na mira do objeto.

Submersa

Monica Rizzolli queria nadar no mar Mediterrâneo. Em Anacapri, comuna italiana na ilha de Capri, foi à praia do Forte. Hesitou quando viu a rebentação violenta das águas no rochedo. Como num desses cenários oníricos, a violência do mar fazia contraste com a segurança de uma escada de piscina instalada à beira do rochedo por onde os banhistas podiam sair da água. E nesse mesmo cenário onírico, um senhor poliglota apareceu e lhe ofereceu, em português, ajuda para descer ao mar e explicar-lhe o ciclo da água.

Eu mergulhei, foi tranquilo. Dois minutos depois, o senhor disse que já era hora de sair. Me disse para ir em direção à escada e que ele me avisaria quando fosse a hora de sair. A escada estava a menos de dois metros de distância de mim, mas cada vez que eu tentava alcançá-la, a correnteza me puxava para trás. O senhor me dizia: não é a hora ainda. Eu fui ficando com medo, desesperada. Entrei num estado de irracionalidade completa. Pensei que fosse afundar e nunca mais sair daquele lugar. Foi a distância mais longa da minha vida. Foi um mergulho dentro de mim, do meu inconsciente. Quando consegui sair, tremia muito. O senhor se aproximou e disse: hoje você viveu a experiência da profundidade. Aquilo me marcou imensamente. Monica não quer transformar essa vivência numa imagem específica, mas a experiência é força motriz no processo de criação. Como falar de imersão sem estar dentro d'água?

Superfície

Na volta à superfície, o desprendimento das referências, bibliografias, imagens e experiências acumuladas é necessário. Para falar de água, é preciso estar seca, do contrário, repete-se a referência e nada novo é gerado. No final ato criativo de Monica Rizzolli, importa mais o gesto que o objeto. Quando você vai criar uma imagem, não pode impor a sua vontade na construção dela. Se você predetermina como ela vai ser, essa predeterminação é o que você já conhece, é o compreendido e visto. Para que a imagem seja nova e fale de algo que vá além do racional e consciente, ela tem que se construir por si mesma. Só há um primeiro momento racional: a definição dos pesos e massas gerais que constituirão o desenho completo. A partir disso, nada mais preocupa a artista. As cores, padronagens e detalhes de cada desenho não serão fruto da sua oferta, mas da demanda da própria obra. Acredite: as imagens pedem as cores que querem, os traços, a vida que desejam. Depois de trilhada a rota, você pode se perder à vontade porque sempre vai voltar para o seu eixo.

Escafandro

Disciplina é escafandro. Sem ela, Monica se afoga na própria profusão de ideias. A série Queda foi um trabalho diário, de meses. Como regra que ela mesma se impõe, tem que ser operária, acordar cedo, almoçar certo, trabalhar, café da tarde, casa, descanso. Assim produz. Treina o corpo e diz à mente que há algumas coisas a serem aprendidas, pois seu raciocínio lógico e claro é desses que se forjam com método. Monica desenha, fotografa e cataloga padronagens da paisa- gem urbana de São Paulo; na rua, observa as pessoas, as relações humanas e as camadas de História sobrepostas em construções erguidas sobre outras mais antigas. Esteve na China em 2010 e lá comprou um caderno de anotações que, segundo a escrita chinesa, é usado da direita para a esquerda. Sempre foi muito crítica para verbalizar o próprio pensamento e escrever. E a base de treino para limar a dificuldade foi o caderno chinês. Monica escreve, mas por causa da posição da mão no caderno não consegue ler o que escreve. Isso me deu distanciamento suficiente para escrever tudo o que me vem à cabeça. É a primeira vez que consigo manter uma escrita constante. É um caderno que só funciona se você coloca no espelho. No espelho, a vida ao contrário e com sentido é metáfora para a (re)criação da realidade. Monica faz levantar o caderno diante da lâmina refletora e decifrar o pensamento que leva em si e aos poucos conhece. Outra vez, é a demanda quem determina a criação, e Monica é fonte e instrumento da arte que brota com seu consentimento – embora bem mais à sua revelia.

Entrevista: Monica Rizzolli Fala Sobre a Exposição Queda

2010-12-03T15:36:00.000-08:00

Entrevista para Mariana Mantovanini | +SOMA | 11-22-10

Entrevista: Monica Rizzolli Fala Sobre a Exposição Queda

Até 4 de dezembro a mostra individual de Monica Rizzolli, intitulada Queda, ocupa a recém-inaugurada Central Galeria de Arte Contemporânea. Nesta exposição, a jovem artista apresenta 11 telas em tinta acrílica e vinílica com uma paleta de cores rica em azuis, verdes e roxos. É a primeira vez que Monica se arrisca nas pinturas e tem curtido o novo momento. Na entrevista abaixo, ela fala um pouco sobre processo criativo e sobre a temática da mostra.

Eu li que vc é super organizada com horários e gosta de ter uma rotina para trabalhar, muito diferente da maioria dos artistas.

Trabalhar todos os dias facilita bastante as coisas! Você tem tempo para experimentar, pesquisar e até mesmo realizar várias vezes o mesmo trabalho até chegar em um resultado satisfatório. As ideias desenvolvem-se naturalmente quando você está trabalhando constantemente e a técnica melhora com a rotina. Se você fica um longo período sem exercitar as mãos elas ficam duras e fica impossível realizar um bom trabalho.

Você sempre trabalha com séries. Como escolhe os temas?

Eu diria que são os temas que nos escolhem. Um dia, sem querer, você olha para algo ordinário e aquilo faz muito sentido. Como ou porquê isso acontece? Eu nao sei dizer, mas basta estar atento para a vida e a vida encarrega-se de nos mostrar o que e importante.

Na exposição Queda o tema é água. O que te levou a chegar nesse assunto?

Um dia eu estava muito triste e chorando muito. Sentia como se eu estivesse me afogando dentro das minhas próprias lágrimas. Foi então que veio essa imagem de uma garota caindo dentro da água. Era com se ela estivesse submersa em suas emoções e lutando para sair daquele descontrole. Foi daí que surgiu a idea da queda como uma espécie de mergulho interior. Depois a ideia amadureceu e ganhou outros significados.

Nesta mostra, você usa como suporte as telas. Como foi a transição do desenho para a pintura?

Nos últimos desenhos que eu executei esse ano haviam muitas áreas de cor e muitas sobreposições de padrões. Chegou um momento em que o papel já não dava mais conta, eu precisava de um suporte mais resistente. Então comecei a pintar, não foi simples, e ainda tenho muito para aprimorar.

E a escolha mais monocromática das cores?

Acho que isso tem a ver com duas coisas: a primeira é que eu sempre me encantei com a quantidade de tons que a água possui. Você olha um pouco para a água e vê todos os azuis, verdes, todas as cores refletidas, está tudo lá, mas de longe parece uma cor só, uma coisa só. O segundo motivo é que quando você está nesse "estado de queda" e tudo fica "embassado" para você é como se a vida perdesse a definição e tudo fica meio monocromático, com a mesma aparência.

Eu vi um vídeo (confira abaixo) em que você cria uma das telas para a exposição e estava usando um fone de ouvido o tempo todo. O que você estava escutando?

No caso do vídeo eu estava ouvindo Neubauten, Nina Simone, MIA, o disco "Mar de Shopia" da Maria Bethânia e um cd de musica folk chinesa que eu comprei em Shanghai depois de uma hora de negociaõoes em mímica!

Qual é o tempo que você leva para finalizar um trabalho?

Eu nunca termino um trabalho no mesmo dia. O video por exemplo mostra um período de aproximadamente dez dias. Demora para executar um trabalho detalhado como eu gosto! E é lógico que a música ajura música a encarar esses longos períodos de trabalho.

Por Marina Mantovanini

2010-11-15T06:36:00.000-08:00

No dia 17 de novembro, o coletivo GARAPA em parceria com a jornalista Sabrina Duran inauguram a exposição Mulheres Centrais no Instituto Cervantes, em São Paulo, na qual eu sou uma das 10 documentadas, além de Clarice Berto, Ana Rusche, entre outras.

Coletivo Garapa inaugura exposição no Instituto Cervantes

Realizada em parceria com a jornalista Sabrina Duran, a mostra exibe um perfil multimídia de dez mulheres que vivem e/ou trabalham no centro da capital paulista.

“Pensávamos que o centro da existência delas estivesse ligado ao centro físico da cidade. Porque é lá, no olho da capital paulista, onde elas vivem e trabalham. Mas existir é outra coisa, e o centro não é um lugar no meio – e nem mesmo um lugar. O centro, no caso delas, é bem mais o que sentem com força, o que as faz esfregar uma mão na outra e emudecer por três segundos enquanto buscam a resposta exata para uma pergunta; o centro crispa a boca e a pele dessas mulheres quando elas relembram e falam de coisas que reverberam bem dentro delas."

Composta por fotografia, vídeo e texto, a mostra traz as histórias e a intimidade de dez mulheres que possuem alguma relação (seja de amor ou ódio, vida ou trabalho) com o centro da cidade de São Paulo. O trabalho foi um dos selecionados pelo XI Prêmio Funarte Marc Ferrez de Fotografia, e integra o calendário do circuito Trasatlántica PhotoEspaña.

Mulheres Centrais
Abertura: 17 de novembro de 2010, 19:30 (debate com os autores), 21h (coquetel)
Visitação: de 18 de novembro de 2010 a 15 de janeiro de 2011
Horários: segunda a sexta, das 8h às 21h e sábados das 9h às 15h
Local: Galeria do Instituto Cervantes – Av. Paulista, 2439 - São Paulo – SP
Entrada gratuita.

http://garapa.org/mulherescentrais/

Mulheres Centrais - Monica from Coletivo Garapa on Vimeo.

Rojo & Garabato MAG 9

2010-11-12T13:43:00.000-08:00

VIEW ONLINE

2010-11-11T11:59:00.000-08:00

Galeria Central inaugura espaço expositivo com

mostra individual de pintura de Monica Rizzolli

Localizada na Avenida Rebouças, galeria abre suas portas no dia 13 de novembro,

sábado, com série inédita de 11 pinturas da artista paulista. Entrada gratuita

A Central Galeria de Arte Contemporânea inaugura seu espaço expositivo no dia 13 de novembro, sábado, às 16 horas, com mostra individual de pinturas da artista paulista Monica Rizzolli. Queda tem 11 telas em tinta acrílica e vinílica em texto de apresentação da curadora e crítica Fernanda Lopes.

Considerando-se a produção pregressa da artista, atenta ao desenho colorido a aquarela, essa mostra pode ser lida como um ponto de inflexão onde Monica passa a fazer uso da pintura em seu processo criativo. Pode também ser vista como um mergulho. E não apenas por causa da paleta rica em azuis, verdes e roxos e tampouco por tratar da água em suas múltiplas manifestações. É o mergulho no risco de se perder quando o terreno seguro do desenho não mais lhe convém, quando a pintura, ora incidental, se faz mais presente na carreira da exímia desenhista.

O pequeno gesto que aproximava sua produção do requinte de desenho das iluminuras medievais é agora aplicado à tela. Essa mudança de suporte e de escala, sobretudo, foi acompanhada da ampliação da linha, que pedia gestos mais largos, e também da cor.

Bachelar, água e dinamismo

Habituada a trabalhar em séries, Monica encontrou na leitura de A Água e os Sonhos, do francês Gaston Bachelard (1884-1962), um ponto de partida para esta série, que guarda profunda relação com a imaginação material da água e as associações simbólicas relacionadas ao estudo de seu ciclo. Os planos improváveis e a suas interpenetrações coabitam o universo simbólico da artista, refletidos que são em sua indistinção formal entre terra, água e ar. “No que diz respeito ao movimento, água e ar têm a mesma dinâmica”, atesta a artista.

QUEDA #02 | 2010 | acrílica e vinílica sobre tela | 80 X 50 cm

Chinoiserie

A viagem para a China em maio deste ano também pode ser uma possível chave de leitura para a série, porém aplica-se mais ao uso do desenho que da pintura propriamente dita. Ainda que a riqueza de padrões e os excessos rítmicos insinuem um flerte com o kitsch, a profusão de linhas e suas orientações dinâmicas têm nas cores um atenuante para essa primeira leitura. A agilidade do percurso do olhar pelo viés do desenho não se choca com a escolha cromática e o que antes parecia excesso torna-se quase orgânico.

Monica Rizzolli

Graduada em Artes Plásticas pela UNESP,a artista vive e trabalha em São Paulo. Realizou exposições individuais na AMAM - Associação dos Amigos do Museu de Arte Moderna; no Centro Cultural Sede Avenida, em São Carlos, SP. Entre as mostras coletivas de que participou, destacam-se aquelas nos espaços: Galeria Deco, Espaço + SOMA, Galeria Nuvem, Ateliê 397, Istituto Europeo di Design, POP Galeria, SESC Vila Mariana, MIS - Museu da Imagem e do Som e Casa do Olhar, em Santo André, SP e a Exposição Elefante Branco.

Serviço:

Evento: exposição Queda, individual de pintura de Monica Rizzolli

Abertura: sábado, dia 13 de novembro, das 16 às 22 horas

Período expositivo: de 16 de novembro a 4 de dezembro de 2010

Central Galeria de Arte Contemporânea

Avenida Rebouças, 1545

CEP 05401-250 – Jardim América – São Paulo – SP

Tel.: (11) 2613 0575

Horários: terça a sexta, das 11 às 19 horas e sábados, das 11 às 18 horas

Estacionamento gratuito (3 vagas)

Entrada franca

www.centralgaleriadearte.com

Informações para a imprensa:

Décio Hernandez Di Giorgi

www.adelantecultural.com.br

dgiorgi@uol.com.br

MSN: deciogiorgi@yahoo.com.br

Tel.: (55 11) 3589 6212 / 8255 3338 (cel.)

QUEDA #10

2010-11-09T03:54:00.000-08:00

Já estão prontos os cartões postais da série QUEDA. A imagem escolhida para estampar os postais foi da pintura QUEDA #10. Os postais estarão disponíveis na Central Galeria de Arte a partir do dia 13 de novembro.

Um pouco sobre o processo de criação

Muitas pessoas tem perguntado a respeito do processo de criação de uma pintura. Como surge o tema? por onde você começa a pintura? entre outras coisas.

Responder como um assunto nasce no trabalho é uma pergunta bastante difícil e não tenho a pretenção de respondê-la em algumas linhas, mas mostrar um pouco do como a imagem nasce é mais simples.

No caso de QUEDA #10, eu comecei pelas personagens, determinado assim o primeiro plano da imagem.

Depois comecei a incluir os planos posteriores, até chegar ao fundo. O ambiente é moldado a partir da figura humana e não o contrário.

E aqui está o resultado final.

Monica Rizzolli | QUEDA #10 | 2010 | Acrílica e vinílica sobre tela | 140 X 100 cm

2010-10-29T13:59:00.000-07:00

In Monica Rizzolli's studio: performance and painting

por Stefanie Hessler | 29 de outubro de 2010

texto publicado originalmente no blog Studio Visits do Goethe-Institut Brasilien

My interest in Monica Rizzolli‘s work stems from when I learned about various performance projects she was involved in. One of those is her work for In.CoRpo.Ro (2004-2007), an artistic event organised in São Paulo, consisting of three editions and fourth one in form of a magazine, and dealing with issues of performance art and practice as well as integrating seminars and theoretic debates. Monica works with topics evolving around the body, gender, human relations, and their role in society. One of her performances, “Lição de Afeto“ (Lesson of Affect - 2003/2004) included asking people on the São Paulo subway for hugs. In a place that is usually crowded, but where people rarely interact and may even feel isolated, the artist put the frontiers between private and public space, approximation and separation into question and challenged notions of accepted and normal behaviour. Coming from a performance background and with an art education from the university UNESP, Monica still engages with those topics in the paintings she produces today.

I am visiting her studio in Santo Amaro. It is a two-storey house that belongs to a photographer and which allows for a lot of space for her to work. On the second floor of the building, Monica has set up her easel. At the moment I visit her, she is just finishing works for her exhibition at the newly opening Central Galeria de Arte in Pinheiros in November 2010.

In her paintings, the traces of performance remain. Monica tells me that living in the centre of São Paulo and being in contact with transvestites and their scene, influenced her work and her involvement with questions of gender and sexuality. Her series “Fêmea“ (Female - 2008) evolves around these issues, approaching questions of power relations, pornography, desire and the role of women in society.

The series “Amores Possíveis“ (Possible Loves - 2009) deals with the notion of closeness and distance in human relations. In these paintings, Monica shows possible approximations and convergences between human bodies, depicting their shades penetrating the silhouettes of another person, assuming a bodily and mental proximity, while the figures‘ bodies are separated by spatial elements they cannot overcome. These works remind me of the performance in the subway, talking about approximation and overcoming a distance - or failing to do so.

Monica shows me a sketch book which turns out to be a major study on patterns and ornaments made up of stripes, triangles and circles. They remind of sketches for tattoos and tribals such us those employed by indigenous cultures. Monica explains that they display yet another relation to the human body, since they come from indigenous Brazilian body painting. In her studies, Monica collects different shapes and forms of them, but also assembles various other patterns such as the shape of water in movement and of kinetic waves. Thus, she gathers and produces a typology or almost cartography of these designs. Over the years, she has collected hundreds of them in form of sketches in her book. These patterns can be found in her paintings, where they make up different areas and fields of colour, thus constituting the figures and shapes in her works. The patterns lead back to the question of the body, our relation to it and also transfer these issues to our social relationships and display of the private in the public sphere.

QUEDA #06 | Time Lapse

2010-10-15T15:23:00.000-07:00

Como parte da documentação do trabalho da artista Monica Rizzolli, a Central Galeria de Arte apresenta a gravação em técnica time-lapse da execução de uma das telas da série 'Queda', destinada à exposição na galeria de 13/nov a 04/dez de 2010.

Monica Rizzolli | 2010 | Queda #06 | Acrílica e vinílica sobre tela | 90 X 90 cm

Coletiva de Desenho | Quina

2010-10-14T14:37:00.000-07:00

Quem estiver em Belo Horizonte não pode perder a Coletiva de Desenho da Quina Galeria.

Anotem o endereço:

Rua da Bahia, 1148 slj 06 Centro, Belo Horizonte, Brazil 30160-906

Confiram as fotos da abertura:

Amigos Imaginários / Imaginary Friends

2010-09-14T12:24:00.001-07:00

Entre Outros | + SOMA | 2010

2010-09-09T11:11:00.000-07:00

A ideia de montar anualmente uma exposição coletiva com jovens artistas surgiu do trabalho de fomento à arte já realizado pela revista +Soma no editorial homônimo, patrocinado pela Nike Sportswear. A cada edição da revista, é realizada uma intensa curadoria e são publicados os melhores trabalhos de artistas ligados a moda, design e street art. Nesta mostra, 21 nomes da nova cena apresentam em diversas mídias - tela, graffiti, instalação e vídeoarte - suas obras produzidas em 2010. Você vai conferir os traços e criações de Kael Kasabian, Reberson Alexandre, André Firmiano, Bruna Guerreiro, Raquel Schembri, Hermes!, Alex Vieira, Tuila Barbosa, Bia Bittencourt, Gais, Nik Neves, Jaime Bregantin, Hermann, Mateus Velasco, Mateus Acioli, Paula Ordonhes, Luisa Ritter, Selene, Monica Rizzolli, Denis DME, Mack, Rubens LP, Eduardo Burger, Jorge Galvão e Visca.

Vistas da exposição:

CALADO MÁXIMO #01

Monica Rizzolli | Calado máximo #01 | 2010 | Nanquim e aquarela sobre papel | 32 X 24 [cada]

Calado Máximo
A parte mais baixa de uma embarcação recebe o nome de calado. O calado fica submerso e seu limite é a linha de água. Quando a embarcação está com plena carga, chamamos seu calado de calado máximo. Isso significa que qualquer aumento significativo no peso provocaria o soçobramento da embarcação. Chamamos também de calado aquele que está em silêncio, quieto e introspectivo. Assim, na série de desenhos "Calado Máximo" ambos os significados são sobrepostos. As mulheres/embarcações cedem ao peso de suas emoções, estão vagando submersas em seus próprios pensamentos. Assim, essas mulheres/embarcações carregam sua carga plena e qualquer emoção adicional poderia provocar o colapso do corpo. Os pássaros / peixes cientes de uma morte iminente, rodeiam, esperam e acompanham as mulheres / embarcações até o desfecho de sua jornada. Afinal, toda jornada tem um fim e todos naufragaremos no nosso mar de emoções.

"Mickeysanto"

2010-08-27T11:49:00.000-07:00

"Mickeysanto: OGM's"

O título deste trabalho 'Mickeysanto', não tem nada a ver com alguma canonização do ratinho. É uma alusão à multinacional Monsanto, que detém noventa por cento das patentes sobre sementes transgênicas. Na linha geral desta série de desenhos, em que a 'Morte de Mickey' seria representada pelos opostos do mundo projetado pela Disney, a artista chama a nossa atenção para a questão da manipulação genética e seus riscos. A idéia chave é trazer à tona o grande medo que estas experiências despertam com relação à perda de controle do criador sobre a criatura. Aqui, são as idéias de crescimento e reprodução, sempre desejáveis na agricultura, que se transformam em pesadelo quando começam a acontecer de modo desenfreado. Por exemplo, no adesivo de vinil que acompanha o trabalho, vemos que na cabeça do Mickey o próprio logotipo da Monsanto é que começa a brotar aos múltiplos. Como em um mito em que o homem tenta alterar a natureza das coisas, ou alvora-se no papel do Criador, como em Ícaro ou Frankenstein, o resultado é sempre um fracasso retumbante que se volta contra a ousadia humana. O fundo dessas histórias é sempre o de uma moral conservadora. Não tente ser o que você não é, não mexa com o desconhecido, não invente, não crie.

Monica Rizzolli

Sem Título #07 ou Mickeysanto: OGM's (Série "A Paixão de Mickey - Morte"). 2009

Gouache e nanquim sobre papel Fabrianoe adesivo de vinil,

23X32 cm

O mais interessante, é que sendo artista e portanto criadora por natureza, Monica Rizzolli representou o castigo do cientista, também criador, de maneira completamente dúbia. A reprodução descontrolada de um padrão que invade toda área do papel e cerca o personagem do primeiro plano, amedronta, mas ao mesmo tempo fascina. O gesto de levar as mãos à cabeça pode ser de pânico, ou arrependimento, mas pode ser também de arrebatamento. Um segundo par de braços aparece em um gesto de acolhimento, como o que um pai dirige ao filho. Ele mesmo parece estar sendo devorado por mutações com braços e mãos que o agarram e ainda há uma sugestão de que ele próprio vai transformando-se em vegetal. Mas nem sua própria dissolução consegue demovê-lo de admirar a beleza das cores e formas que sua mente engendrou. Como é bela a minha tragédia. Colocando-o de costas para nós, assumimos o seu ponto de vista, somos levados a admirar o que ele admira. Caímos na armadilha de nos deixar também fascinar pelo que poderá ser o nosso fim.

Wagner Lungov

Agosto de 2010

+ "My paper sunglasses"

2010-08-04T15:49:00.000-07:00

Para a exposição "My paper sunglasses" cada artista recebeu uma base neutra (óculos), para ser customizado. O desafio era customizar e ao mesmo tempo mostrar as referências que fazem parte do nosso trabalho.

Foi um desafio divertido e olhem só o resultado:

Depois cada artista foi fotografado com o óculos que criou, e olhem o resultado:

Depois de prontos, os óculos foram usados em um editorial de moda que estará exposto na Mini Galeria. A fotografia é de Breno Mayer, produção de Juliana Sá, maquiagem de Valeska Prado e concepção de Otávio Santiago.

Veja só!!!!

Monica Rizzolli na "Pipa Musical"

2010-08-04T12:44:00.000-07:00

Uma noite gostosa e descontraída, resultou no programa para a Pipa Musical, editado pelo querido XTO. Uma seleção de músicas duvidosas, muita bobagem e doses imensas de A man doin (especialidade da casa).

Para quem quiser ouvir o programa é só clicar no link abaixo:

Rizzolli's na Pipa

E um abraço para o XTO querido.

"My Paper Sunglasses" no Jornal "O Tempo"

2010-08-01T09:45:00.000-07:00

MY PAPER SUNGLASSES

2010-07-30T14:48:00.000-07:00

Todos sabemos que além de acessórios de moda os óculos tem a utilidade de aprimorar ou proteger nossa visão. Servem ainda como um filtro do que queremos ver e, principalmente, mostrar. E os óculos de papel? Para Otávio Santiago, idealizador e curador da divertidíssima mostra My Paper Sunglasses, eles também podem nos deixar cegos. Um cegar às avessas, é bem verdade, já que se transformam num curioso suporte de revelação.

Artistas das mais diversas áreas, convocados a fazer uma intervenção sobre as lentes de papel, se deixam a fotografar “enxergando” através das próprias criações. E os óculos aparecem agora como um painel, em cuja superfície o artista projeta um ponto de vista peculiar: a imagem de si mesmo que sempre quis ver ou, melhor, exibir.

Um meio de expressão que também olha para o público da exposição, convidado a experimentar os óculos, escolher um preferido, e torcer para ficar bem na foto.

Ah! E as idéias apresentadas em My Paper Sunglasses serviram também como base para a criação de um inspirado editorial, enfocado outra vez com as lentes da arte, da moda e da publicidade, pra quem quiser ver.

Artistas convidados:

Artistas Convidados: Adriano Cinelli – Onio (BSB – BRA) / Adriano Paulino (BH – BRA) / Albino Papa (BH – BRA) / Alessandro Aued (BH – BRA) / André Wakko e Sandra Bühler (BH – BRA) e (CHE) / Angelina Camelo (BH – BRA) / Clara Valente (BH – BRA) / Denis Leroy (BH – BRA) / Dimas Forchetti (SP – BRA) / Dinho Bento (BH – BRA) / Eduardo Schuetze (SP – BRA) / Eloar Guazelli (RS – BRA) / Fernando Torelly (RJ – BRA) / Ida Feldman (SP – BRA) / João Lelo (RJ – BRA) João Maciel (BH – BRA) / Junkhouse (KOR) / Marcelo Gandhi (SP – BRA) / Mate Lelo (RJ – BRA) / Monica Rizzoli (SP – BRA) / Mosh (BH – BRA) / MZK (SP – BRA) / Nele Schrinner (DEU) / Nina Coimbra (BSB – BRA) / Otávio Santiago (BH – BRA) / Paco (ESP) / Paolo Mandatti (BH – BRA) / Patrícia Caetano (BH – BRA) / Ricardo Portilho (BH – BRA) / Ricardo Tokumoto (OP – BRA) / Ste Paola (RJ – BRA) / Thiago Fosk (BH – BRA) / Thiago Mazza (BH – BRA) / Vorko Design (BH – BRA) / Yan-Tze Liu (PER) / Zumberto (BH – BRA)

++++++++++++++++++++++++ Ficha técnica Editorial_ 1ª Edição Concepção_ Otávio Santiago Fotografia_ Breno Mayer Produção_ Juliano Sá Assistente_ Caroleta Maurício Beauty_ Valeska Prado Assistente_ Daniela Caldellas Vídeo_ Fábio Lamounier Cobertura fotográfica do evento: Carol Salgado

++++++++++++++++++++++++ ABERTURA: 7 de agosto de 2010 – 17hs Local: Mini Galeria Av. Cristóvão Colombo 550 – SL 27 – savassi contato@minigaleria.com +55 31 85318140

Lançamento do Catálogo "Ainda Desenho"

2010-05-28T11:16:00.000-07:00

Neste sábado, 29 de maio, será o lançamento do catálogo, escrito pela jornalista Fernanda Lopes. Ela e os artistas estarão lá pra uma conversa, das 15 às 17 hrs.

A Galeria Deco fica na Rua dos Franceses, 153, na Bela Vista.

Os catálogos acabaram de sair do forno!

Eu e o Xto, estavamos prestando bastante atenção na conversa...

A Thais contava sobre o seu caderninho e sobre o cortejo,

A Fernanda Lopes fez ótimos comentários sobre a exposição, a Fernanda Eva e o Gandhi estavam de tititi e a Márcia fez observações muito interessantes sobre a relação entre pintura e desenho.

O Claudio tirou muitas fotos, mas não apareceu em nenhuma delas!

A tarde foi deliciosa, e agradeço a presença de todos.

Para quem ficou curioso, deixo abaixo o texto do catálogo:

Ainda desenho

Em Ainda Desenho, Cláudio Matsuno, Marcelo Gandhi, Marcelo Amorim, Marcia de Moraes, Mônica Rizzolli e Thais Beltrame revelam diferentes possibilidades de lidar com essa que é provavelmente a mais antiga das expressões artísticas. Os trabalhos reunidos nessa exposição falam através do desenho, mas também sobre o próprio ato de desenhar e os elementos que estruturam essa prática.

A linha ainda é o princípio básico para muitas obras. Em sua forma mais simples, é indicação do limite entre dois planos, potencializando e incorporando os espaços vazios como parte do desenho. É também a delimitação de formas de contornos simples, que apontam mais para o que está fora do que para o que está dentro do plano: desenhos que mostram resquícios de algo que já aconteceu ou a expectativa de algo que está para acontecer. Em situação oposta, ou seja, quando o gosto pelo traço é revelado pelo acúmulo e pela persistência, a linha guia o preenchimento do plano atribuindo texturas e reforçando a presença da cor.

Processo de construção do desenho também se revela em alguns trabalhos. Rascunhos, anotações e rabiscos deixam de ser preparação para o trabalho definitivo, para ser o trabalho em si. O defeito, o engano e o erro revelam um desenho que estreita seus laços com o mundo. O aspecto gráfico, de uma geração alimentada pela visualidade das histórias em quadrinhos, da cultura underground e da comunicação de massa, alimenta parte dessa produção, que reconhece no desenho uma tentativa de capturar o tempo, capaz de produzir tantas imagens quanto vemos no mundo hoje.

Em alguns casos, essa produção já não cabe mais nos limites de uma folha de papel, recorrendo a outros suportes, como a fotografia e o bordado, chegando mesmo a incorporar a arquitetura. Aqui, as paredes são o espaço onde elementos do mundo, como anúncios de revistas, pedaços de madeira, objetos industrializados e estampas de tecido, são como pequenas anotações, que quando agrupadas estabelecem relações entre si, criando novos desenhos. Sim, esses trabalhos ainda são desenhos.

Fernanda Lopes (Rio de Janeiro, RJ, 1979) é curadora associada do Centro Cultural São Paulo (SP). Jornalista e pesquisadora, atua desde 2000 na área de artes visuais. É mestre em História e Crítica de Arte pela EBA/UFRJ e autora do livro A Experiência Rex: "Éramos o Time do Rei" (Alameda Editorial, 2009), pesquisa que ganhou o Prêmio de Artes Plásticas Marcantônio Vilaça (Funarte) 2006, categoria monografia.

Arte lá em casa!

2010-05-16T06:10:00.001-07:00

Mena, Fernanda. Marti, Silas. “Arte lá em casa”. Folha de São Paulo. 2010, maio, 09: Ilustrada/Acontece, p. E8.

Arte lá em casa

Tendência nas grandes cidades do mundo, São Paulo ganha espaços culturais alternativos e experimentais em casas, galpões e apartamentos

FERNANDA MENA SILAS MARTÍ DA REPORTAGEM LOCAL

Tem duplo sentido o cartaz que diz "aluga-se" na entrada de um casarão perto da praça Panamericana, em São Paulo. Ainda à espera de novos moradores, o espaço tem artistas como inquilinos-relâmpago. Eles escondem projeções de vídeo na despensa, criam um lago artificial e até plantam batatas no banheiro."É um novo formato de exposição", diz Yara Dewachter, que organizou a mostra "Aluga-se" na mansão vazia que pertence à família de seu marido.Tendência em Nova York e outras capitais do mundo onde o circuito tradicional de artes visuais - museus e galerias - já não dá conta de toda a produção local, uma rede alternativa também desponta em SP.

São espaços expositivos em galpões industriais, garagens, porões esquecidos, casas e prédios vagos no centro da cidade. Se, por um lado, a cena é uma válvula de escape para uma produção artística, por outro serve para reabilitar espaços mortos na malha urbana. Outra consequência, intencional ou não, é inflar o valor de imóveis encalhados, como o casarão no Alto de Pinheiros, que passou anos fechado e sem ninguém. Depois de reformar um apartamento modernista na avenida São Luís, que recebeu uma exposição coletiva para marcar o fim das obras, o empresário Henrique Miziara acaba de comprar uma sala no edifício Califórnia, obra de Oscar Niemeyer e Carlos Lemos, no centro, que transformou em ateliê. Já passaram por lá mostras de Keila Alaver, Monica Rizzolli e, por último, Célio Braga."A ideia é que todo mundo possa pedir para ocupar esse espaço", diz Miziara. "Não quero que isso fique fechado."

No mesmo espírito, dois colecionadores compraram um andar de um prédio de Ramos de Azevedo na r. Líbero Badaró para expor seu acervo pessoal. Inauguraram o espaço no mês passado com uma individual do artista Sandro Akel -a exposição agora migrou para a galeria do artista, a Mendes Wood, nos Jardins, mas logo outras mostras ocuparão o loft neoclássico. Mais acanhado, o porão de uma casa na Vila Mariana virou QG de um grupo de artistas. Batizado de Beco das Artes, o porão vêm recebendo séries de mostras e debates há um ano."Esse porão estava jogado às traças", lembra Gustavo Ferro, um dos líderes do Beco. "A gente ressignificou o espaço, é a ideia de arte no contexto da metrópole cheia de espaços abandonados", diz Nei Franclin, outro artista do grupo.A ideia de cuidado com o espaço interno e público também está por trás do projeto Matilha Cultural, que reúne exposições, shows, palestras e cinema independentes e sem fins lucrativos, que versam sobre temas sócio-ambientais e urbanos.O espaço, que agora expõe os grafites de Binho Ribeiro, promove todo primeiro sábado do mês o "Vagaviva", projeto que ocupa o meio-fio em frente ao galpão com arte. "Queremos ser uma terceira via", diz a diretora do espaço, Rebeca Lerer.Na Vila Mariana, uma dupla de arquitetos criou há um ano a Casa Contemporânea, sobrado dos anos 40 que transformaram em ateliê e espaço expositivo. Está em cartaz agora uma individual do artista Rogério Pinto e debates acontecem quase toda semana.Outro espaço, a Casa Tomada, tenta refletir sobre as práticas artísticas. O sobrado no bairro da Aclimação, transformado em ateliê e biblioteca, tem editais para selecionar seus ocupantes.Tainá Azeredo e Thereza Farkas, idealizadoras do projeto, escalam artistas e curadores para uma residência que vira exposição.

Ainda Desenho

2010-05-06T04:21:00.000-07:00

“Os Dez + - + Coletiva: Ainda Desenho. Folha de São Paulo. 2010, maio, 09: masi! n. 944, p. 2.

Exposição Coletiva Ainda Desenho

No dia 06 de maio será inaugurada a exposição Ainda Desenho na Galeria Deco com os artistas Claudio Matsuno, Marcelo Amorim, Marcelo Gandhi, Marcia de Moraes, Monica Rizzolli e Thais Beltrame. Os 06 artistas exploram o desenho e estarão reunidos para apresentar sua mais recente produção.

A diversidade na linguagem e a subjetividade de cada artista resultaram em imagens que vão além dos limites tradicionais do desenho. Além do papel foram utilizadas como suporte telas, fotografias, colagens, bem como outros suportes. Um interessante recorte que contamina o espaço da galeria com instalações, intervenções, pinturas e adesivos inseridos diretamente nas paredes.

Os artistas integrantes da mostra tem em seus curriculos diversas mostras nacionais e internacionais com interessante percurso que vão desde a música, performance e as artes plásticas.

São eles:

Claudio Matsuno

Paulistano, nascido em 1971, começou a desenhar desde criança e não parou mais. Frequentou a Faculdade de Belas Artes de São Paulo e neste período frequentou diversos cursos relacionados às artes visuais.A partir de 2001 decidiu aprofundar sua pesquisa no campo do desenho mesclando a instalação e a intervenção nas paredes numa única linguagem artística. A partir daí, elaborou inumeros projetos onde a figuração, a abstração, as formas toscas com manchas de tinta eram exibidos em formas de varais e fixados ao lado de desenhos prensados sobre a parede de forma precária e simples, sendo a improvisação e os erros a sua principal ferramenta de idéias.

Marcelo Amorim

Nascido em Goiania em 1977 decidiu desenvolver sua produção na cidade de São Paulo, A partir de então participou de inúmeras exposições coletivas e individuais, entre eles destacam se a I Mostra do Programa de Exposições no Centro Cultural São Paulo em 2008, as coletivas Realidades Imprecisas no SESC Pinheiros em 2009, Corpoinstalação no SESC Pompéia, Realidades Impossibles - Fototeca Juan Malpica Mimendi, Veracruz no México além de diversos salões pelo Brasil. Atualmente é integrante do ateliê 397 em São Paulo.

Marcelo Gandhi

Potiguar nascido em 1975, vive e trabalha em São Paulo. Graduado em artes visuais pela Universidade de Natal em Rio Grande o Norte desenvolve trabalhos com desenho, perfomance e musica experimental, participou do projetos rumos artes visuais (São Paulo, Ceará e Rio de Janeiro). Expôs ainda em coletivas Zona de Trânsito no Instituto Cervantes em São Paulo e Zona de Arte Nación em Quilmes na Argentina, participou recentemente da coletiva Jogos de Guerra no Memorial da América Latina suas obras fazem parte do acervo do Centro Cultural Banco do Nordeste. Atualmente integra o Program View no Drawing Center em Nova York/USA e prepara um projeto especial para a Bienal de Performance - Deforme no Chile.

Marcia de Moraes

Nasceu em São Carlos em 1981, estudou Artes Visuais na Unicamp em Campinas. Começou a expôr trabalhos a partir de 2003. Realizou individuais no Centro Universitário Maria Antônia e no MARP de Ribeirão Preto ambos em 2009. Integrante do ateliê Fidalga comandada pelos artistas Albano Afonso e Sandra Cinto realizou recentemente uma coletiva na Funarte de São Paulo e da ação Em Obras na passagem subterrânea da Consolação. Desenvolve desenhos utilizando somente lápis de cores, grafite s/ papel criando imagens que aludem a uma paisagem "construída" através de segmentos lineares obtendo resultados inquietantes. Márcia de Moraes vive e trabalha em São Paulo. Ela é representada pela Galeria Leme em São Paulo.

Monica Rizzolli

Nascida em 1981 na cidade de São Carlos, Monica Rizzolli teve seu primeiro contato com a arte logo na infância. Sobrinha e bisneta de pintores, passava os dias brincando na gráfica de seu avô. Começou a desenhar na adolescência copiando os personagens de HQ's. Logo depois, a gravura tornou-se um de seus principais interesses; foi aprendiz de litografia e estudou Shodô (caligrafia japonesa). A experiência como performer no projeto [In.CoRpo.Ro] e o trabalho em um ateliê de modelo vivo, onde dirigia sessões de desenho e ocasionalmente posava, inspiraram a artista a desenvolver os temas centrais de seu trabalho: o corpo e as relações humanas. A série "Amigos Imaginários", apresentada nesta exposição, é uma de suas reflexões atuais sobre estes temas.

Thais Beltrame

Thais Beltrame sempre desenhou desde pequena. Em 1996, mudou para os Estados Unidos, onde iniciou estudos formais de arte no San rancisco City College, e concluiu a faculdade no Columbia College Chicago. Seu mentor foi Mario Castillo, artista com grande influência no movimento muralista de Chicago nos anos 70. De volta ao Brasil, Thais iniciou sua carreira ilustrando diversas revistas da Editora Abril, e também alguns livros infantis. Foi convidada a integrar o grupo de artistas Famiglia Baglione e desde então já teve seus trabalhos expostos em galerias e feiras de arte na Inglaterra, Estados Unidos e Brasil.

Ainda Desenho

abertura 06/05/10 das 19:00h às 22h

até 06/06/10

na ocasião será lançado o catálogo

da mostra com texto crítico de Fernanda Lopes

Horários de segunda a domingo

das 10h às 19h

Entrada Franca

Galeria Deco

R dos Franceses, 153 - Bela Vista - SP

Tel (11) 3289-7067

Contato: decodeco@nethall.com.br

Site www.galeriadeco.com.br

Whodunit?

2010-04-27T15:53:00.000-07:00

Whodunit?

ART ASSOCIATION OF JACKSON HOLE

Whodunit? is a unique, one night art sale and fundraiser. Artists are generously creating new works on 6-inch canvases, which will sell for $99 by lottery at the close of the evening. Adding to the anticipation, the identity of the artist will remain unknown until the end of the night when canvases are purchased and signatures on the back revealed! For a cool $99, you could walk away with an original from several well-known artists, or grab hold of an up and coming artist from the valley or anywhere else in the country…

Monica Rizzolli

Queda. 2010

Goauche sobre tela,

6 X 6 inch

Revista OCAS

2010-04-27T08:40:00.000-07:00

Mais uma pequena contribuição para a Revista OCAS #70.

Elephant Magazine / Issue 2

2010-04-04T10:17:00.000-07:00

Monica Rizzolli [Elephant Magazine] Issue 2 / Spring 2010 por Margherita Dessanay.

ARTE / REF referências e notícias em arte contemporânea

2010-04-01T13:56:00.000-07:00

Reportagem publicada no site ARTE / REF no dia 01 de abril de 2010, na coluna Artista da Semana. Agradeço ao Paulo Varella pela simpatia e profissionalismo.

Para quem quiser assistir aos vídeos:

Superação / Série Amigos Imaginários

2010-03-14T10:34:00.001-07:00

O desenho Superação da "Série Amigos Imaginários" está exposto no espaço + SOMA até 17 de abril, na coletiva Buffalo Gals.

O espaço + SOMA fica a Rua Fidalga, 98, Vila Madalena, São Paulo / SP

Agradeço a todos que compareceram na abertura, especialmente à Vera Comparato (as flores são lindas). Agradecimentos especiais também para Fernanda Massini e todos do + SOMA.

A exposição está incrível e é gratuita!!!!

Foto: Fernando Martins

Monica Rizzolli

Superação (Série Amigos Imaginários). 2010

Nanquim e gouache sobre papel,

68 X 68 cm

ESCALA

PROCESSO

Buffalo Gals

2010-03-06T10:23:00.000-08:00

Com homenagem ao universo feminino, Espaço Soma abre o mês de março

Mulheres são o forte da programação em exposições e apresentações musicais; Bufallo Gals e Presença Feminina acontecem no dia 13

Inspirado pelas comemorações do Dia Internacional da Mulher, o Espaço Soma apresenta dois projetos especiais. No dia 13 de março será inaugurada a exposição Buffalo Gals, reunião de 13 mulheres que exploram técnicas da fotografia, arte urbana e ilustração. Na mesma data, as MCs Flora Matos, Lurdez da Luz, Nathy MC e Stefanie comandam a trilha sonora em encontro batizado de Presença Feminina, que conta também com discotecagem e performances de turntablismo (manobras com os toca-discos) com as garotas do Applebum. Além desses dois eventos espaciais abre no mezanino a exposição MUSAS, uma individual com a artista Fefe Talavera.

“Bufallo Gals” é uma expressão norte-americana para “Buffalo Girls”. Seu primeiro sentido, que nivela a força de universos distintos, sinaliza a intenção do Espaço Soma: reunir mulheres emblemáticas da recente produção artística nacional e compor um panorama da força feminina em diversos suportes.

Participam da mostra Thais Beltrame, Monica Rizzolli, Luísa Ritter, Laura Teixeira, Carla Barth, Didi Cunha, Dea Lellis, Paula Ordonhes, Nina Jacobi, Alexia Santis, Jessica Magaba e Amanda Pan.

Mas Buffalo Gals também é referência ao título de importantes canções, como o tradicional folk de Woody Guthrie e do hip-hop experimental de Malcolm McLaren. E para fazer mostrar a força das mulheres, o Espaço Soma promove o Presença Feminina, encontro das mais representativas vozes femininas do hip hop nacional: Flora Matos, Lurdez da Luz, Nathy MC e Stefanie. Em um meio que se livra do machismo dia após dia, o trabalho do quarteto é crucial. A programação conta também com as DJs Lisa Bueno, Mayra, Simmone, Tati Laser e Vivian Marques, da Crew Applebum, única e primeira equipe formada por mulheres a participar da edição brasileira do DMC (referência quando o assunto é campeonato de DJs). Na pista, Seteoito Crew, grupo de dança capitaneado pela B-girl Luciana Bauer.

+ SOMA

Ilhas de Silêncio

2010-02-09T06:10:00.000-08:00

Em 2008, Fabio Tremonte produziu o documentário Ilhas de Silêncio, no qual eu dou um depoimento.

O documentário trata do silêncio e vale a pena conferir.

Assista:

Parte 1

Parte 2

Parte 3

São Paulo silencia dentro do armário da pia de cozinha

por Juliana Monachesi

Assistir ao vídeo “Ilhas de silêncio”, de Fábio Tremonte, aciona memórias e faz a gente ter vontade de acrescentar também o nosso ao conjunto de depoimentos colhidos pelo artista sobre experiências de silêncio. Minha lembrança mais impactante de uma ilha de silêncio é a obra “Plight” (1958/1985), de Joseph Beuys, uma instalação feita com 284 rolos de feltro recobrindo toda a extensão de um amplo ambiente (as medidas da obra, segundo o site do museu George Pompidou, são 310 cm x 890 cm x 1.813 cm) que contém, além do visitante ensurdecido, um piano de cauda, uma mesa e um termômetro a mercúrio.

A força do silêncio absoluto criado pelo isolamento acústico dos rolos de feltro nas paredes é amplificada pela presença do piano, um som em potência que permanece mudo. O vídeo de Tremonte não trata do silêncio pela via do mutismo. Em seu filme, que flerta com o documental, o tema aludido no título é abordado, sobretudo, por meio de depoimentos. Aqui, portanto, o “silêncio” é falado, nomeado, descrito e qualificado. Para um, a ilha de silêncio é a concentração necessária para produzir um desenho, para outro, é o isolamento dos ruídos urbanos que passageiros de ônibus criam ao se insularem em seus tocadores de MP3.

Uns associam o silêncio a experiências vividas em meio à natureza, como descobrir em Itatiaia “uma ilha de ar rodeada de bambus por todos os lados”, enquanto outros concebem o silêncio por contrastes, como o barulho ensurdecedor de um avião passando, que toma o espaço por completo. Para alguns, silêncio tem a ver com momentos da pausa –“é onde minha alma acalma, onde você tira a neblina e volta a enxergar as coisas nos seus devidos lugares; minha ilha de silêncio é de dentro para fora”–, e para outros pode insurgir de um som de toque de celular que os faz notar o silêncio em que estavam, ou da ação de pôr um CD pra tocar e perceber o silêncio entre uma música e outra.

Uma “entrevistada” distingue dois tipos de silêncio: o “silêncio-vazio”, que classifica como solidão e desespero, e o “silêncio-desejo”, que descreve poeticamente como “uma cama dentro do armário da pia de cozinha que eu pudesse fechar, sumir lá dentro e aparecer uns três dias depois”. As pessoas ouvidas pelo artista em seu vídeo não são identificadas por legendas; tem gente ali que é possível reconhecer, artistas do círculo das artes de São Paulo, mesmo no caso de alguns artistas que sequer falam, como Ana Teixeira, que aparece de costas para a câmera, meditando de frente para uma janela, ou que não aparecem no vídeo, como Sonia Guggisberg, reconhecível pela voz em off que descreve a prática cotidiana de uma meditação em busca do silêncio, enquanto a câmera, parada, enfoca uma paisagem, talvez a mesma que a artista observa ao meditar.

Há um jogo de transparência e opacidade que alinhava toda a edição de “Ilhas de silêncio”: as imagens de um homem que percorre a avenida Paulista no banco de trás de um carro, observando a paisagem urbana em silêncio, colocam o espectador ao lado do passageiro, como se não houvesse mediação, assim como outras ações e declarações, em que o participante não olha para a câmera. Por outro lado, durante um depoimento, a voz do artista “aparece” concordando com uma afirmação, em outros, “surge” na fala do entrevistado –“quando eu recebi o convite…”; “quando li sua proposta…”. O artista aposta em dois jogos ao mesmo tempo: o primeiro, anterior à captação de imagens, diz respeito à negociação com as pessoas que participam do vídeo –que convite foi esse? qual proposta foi feita para que o trabalho acontecesse?–, o segundo, pós-produção, está no ocultamento e no desvelamento da mediação da câmera.

“A melhor mediação que você pode fazer é deixar que a pessoa tenha um contato silencioso com a obra de arte”, afirma um participante, lembrando que o silêncio é um tema caro para o universo das artes, mas também ecoando a fala silenciosa de Fábio Tremonte onipresente no vídeo, assim como em grande parte de sua trajetória, desde os desenhos e monotipias até sua recente produção audiovisual. A “transição” das obras silenciosas (desenhos, monotipias, intervenções diretamente sobre a parede do espaço expositivo etc.) aos vídeos “zens” não foi abrupta, houve uma etapa em que o artista se interessou por meios de comunicação de massa, do papel comum de papelaria às câmeras caseiras, como a de celular.

E na série de filmes que Tremonte realizou de 2006 até o presente “Ilhas de silêncio”, chama a atenção, tanto nas imagens quanto nas trilhas sonoras, a opção pelo “silêncio”. Em ordem cronológica, “Zen” (2006), “Zapping movie” (2006), “Ação zen [Nightshot skateboard]” (2007), “Ação zen [Nighshot dancing with myself]” (2007), “Aventuras pelo invisível” (2007) e “Só” (2007) são vídeos marcados pela coerência entre imagem e som: quando o áudio não é intrínseco à ação filmada (som ambiente), o vídeo não tem som. “Aventuras pelo invisível”, o único cuja ficha técnica explicita o uso de câmera de celular, é um vídeo que se opõe à mobilidade do aparelho no qual a trilha sonora, uma música de Laurie Anderson, faz as vezes de um diálogo reencenado com Marina Abramovic.

Falar em coerência interna da obra e em aposta simultânea em dois jogos para analisar os trabalhos de Fábio Tremonte pode soar contraditório, mas é nessa lacuna que sua obra se realiza. A “ilha de silêncio” compartilhada por Sonia ou o próprio silêncio partilhado por Ana destoam das falas dos outros participantes do jogo proposto pelo artista: se um descreve o silêncio como a “quietude para escutar o que é estar no mundo”, outra confessa: “estou tentando carregar a tal ilha comigo”. O vídeo não tem fecho, não oferece conclusões apaziguadoras ao espectador, não explica o que é, afinal, uma “ilha de silêncio”: aí reside a aposta, e também a coerência, do artista.

Este texto foi escrito parcialmente em silêncio (entremeado por Charlotte Gainsbourg e PJ Harvey). Enjoy the silence!

agosto de 2008

* texto escrito para o vídeo Ilhas de silêncio, exibido na Galeria Carminha Macedo, 2008

Fernanda Eva

2010-02-09T05:42:00.000-08:00

Fernanda Eva, querida amiga e artista, atualmente trabalha na sua série de Retratos de Animais da Arte.

E digamos que somos belos animaizinhos mesmo!!!!

Obrigada Fernanda, adorei o retrato.

Fernanda Eva

Patinhas (Série Retratos de Animais da Arte). 2010

Acrílica sobre tela,

85 x 117 cm

Aproveito também para divulgar o vídeo "Aula com meus amigos", projeto de Fernanda Eva, do qual participei.

Residência no Atelier Galeria California

2010-02-03T12:06:00.000-08:00

Durante os meses de dezembro de 2009 e janeiro de 2010, a convite de Henrique Miziara e Paola Ricci, ocupei a sala 301 do Edifício Galeria California. O Edifício California situa-se no centro de São Paulo e interliga as ruas Barão de Itapetininga e Dom José de Barros, com fachada para ambas. Foi projetado pelos arquitetos Oscar Niemeyer e Carlos Lemos em 1951 e inaugurado em 1955. Na entrada encontra-se um painel de Portinari e o fosso central foi projetado por Di Cavalcanti.

Nesses dois meses de ocupação produzi dois novos desenhos da Série Amigos Imaginários. (imagens abaixo)

Agradeço à Henrique e Paola pelo convite, foi uma experiência maravilhosa.

Monica Rizzolli

Integração (Série Amigos Imaginários). 2010

Nanquim e gouache sobre papel,

98 X 98 cm

Coleção Particular

ESCALA

Monica Rizzolli

Libertação (Série Amigos Imaginários). 2010

Nanquim e gouache sobre papel,

66 X 95,5 cm

Coleção Particular

DETALHES

ESCALA

FOTOS DO PROCESSO

POR CLÁUDIO FREITAS

FOTOS DO PRÉDIO

Revista Ocas

2010-01-29T08:49:00.000-08:00

Pequena contribuição para a Revista OCAS #69.

Fiquei muito feliz em colaborar com essa iniciativa e aproveito para agradecer Antonio Brasiliano pelo convite!

Abertura da Galeria nuVEM

2009-11-28T12:47:00.001-08:00

Agradeço a presença de todos, foi um dia delicioso, com muita comida coreana, amigos e deleites para os olhos.

Beijos especiais para Juliana Dadalto que está lançando o esmalte Nuvem da Cut. Responsável pelo azul incrível das minhas unhas (inclusive dos pés!).

Eu e Claudio Matsuno

Marcelo Gandhi e eu em frente a nuVEM

Eu e Ivan Korkischko com trabalhos de Dea Lellis

Desenhistas: Paula Ordonhes, Luciana Araújo, Monica Rizzolli, Dea Lellis e Thais Beltrame

Eu e Maurício Adinolfi

Debora, eu e Sabrina Duran com trabalhos de Diego Castro (esq) e Monica Rizzolli (dir)

Esmalte NUVEM da Cut, by Juliana Dadalto para combinar

Veja o post Nuvem em outros céus.

Eu e Bruno Mendonça

Veja o post completo Nuvem em outros céus.

Abertura Galeria Nuvem

2009-11-20T04:34:00.000-08:00

Galeria Nuvem As nuvens apresentam diversas formas, que variam dependendo essencialmente da natureza, dimensões, número e distribuição espacial. A Galeria Nuvem surge como um novo local de circulação de arte contemporânea onde a produção emergente encontra espaço. Atualmente o mercado de arte contemporânea parece não conseguir absorver a grande produção de jovens artistas, artistas emergentes. As novas mídias, os novos meios de comunicação e as novas plataformas de exposição tem transformado a arte contemporânea num campo híbrido, interdisciplinar e multimídia. A Galeria Nuvem tem como objetivo concentrar alguns desses artistas que transitam nesta realidade, que de certa forma se encontram nesse campo, um campo de lacunas onde as categorias não importam mais e as fronteiras não demarcam mais, a produção jovem de arte contemporânea hoje é limítrofe. A Galeria Nuvem abre as portas no dia 28 de novembro com uma exposição coletiva com trabalhos de 19 artistas que apresentam e vivem esta nova realidade: Alberto Oliveira; Bruno Mendonça; Bruno Sipavicius; Cesar Fujimoto; Claudio Matsuno; Daniel Nogueira; Diego Castro; Dea Lellis; Flavio Cerqueira; Gustavo Lacerda; Jea Uk Kang; Loro Verz; Maurício Adinolfi; Marcelo Gandhi; Marcus Hausser; Monica Rizzolli; Sang; Thais Beltrame e Young Hwa Cho.

SERVIÇO:

Evento: Abertura Galeria NUVEM Abertura: 28 de novembro de 2009, das 11h às 22h

Coquetel: 28 de novembro de 2009, das 11h às 14h

Local: Galeria NUVEM Endereço: Rua Matheus Grou, 355, Pinheiros, São Paulo Entrada gratuita Mais informações: Email: gamobardo@ig.com.br Tel.: (11) 3061 1237 / 8756 9919

A paixão de Mickey: vida, morte e ressurreição

2009-09-19T10:30:00.000-07:00

1. Marcelo Gandhi A Paixão de Mickey: Vida. 2008 - 2009 Desenhos, fotografias e colagens, dimensões variáveis, Visualização da instalação, Atelie 397, São Paulo, 2009 2. Monica Rizzolli A Paixão de Mickey: Morte. 2008 - 2009 Desenhos e adesivos vinílicos, dimensões variáveis, Visualização da instalação, Atelie 397, São Paulo, 2009 3. Bruno Sipavicius A Paixão de Mickey: Ressurreição. 2008 - 2009 Desenhos, óleo sobre tela, dimensões variáveis, Visualização da instalação, Atelie 397, São Paulo, 2009 4. Bruno Sipavicius e Monica Rizzolli A Paixão de Mickey: Morte e Ressurreição. 2008 - 2009 Desenhos, óleo sobre tela, adesivos vinílicos, dimensões variáveis, Visualização da instalação, Atelie 397, São Paulo, 2009 5. Bruno Sipavicius, Marcelo Gandhi, Monica Rizzolli A Paixão de Mickey: Vida, Morte e Ressurreição. 2008 - 2009 Desenhos, fotografias e colagens, óleo sobre tela, adesivos vinílicos, dimensões variáveis, Visualização da instalação, Atelie 397, São Paulo, 2009 * FOTOS: ANTONIO BRASILIANO “Os Dez +”. Folha de São Paulo.2009, setembro, 20: masi! n. 911, p. 2.